5 situaciones para pasarse al enfoque manual

El enfoque manual fue durante muchos años el rey de los enfoques. Más aún fue el único tipo de enfoque.

Luego llegaron las reflex revolucionadas y el modo todo automático y los modos con prioridad de alguno de os parámetros y el enfoque manual fue perdiendo protagonismo.

Hoy en día, tras unos años de inicio a la fotografía, todo el mundo siente la necesidad de aventurarse a la fotografía en modo manual.

Pero, ¿Por qué usar el modo manual?. ¿Qué circunstancias hacen interesante el modo manual?.

Las cinco situaciones:

  1. La fotografía macro: se consigue un mayor grado de precisión.
  2. La fotografía de acción: nos da mayor agilidad y poder anticiparnos a la foto, enfocando previamente a donde sacaremos más tarde la foto.
  3. Situaciones con poca luz: Suponiendo que lo consiga, a la máquina le costará unos segundos muy valiosos el conseguir el enfoque y muchas veces éste será impreciso.
  4. Retrato: cuando las condiciones no son idóneas. Para tener la certeza de enfocar los ojos…. enfoque manual.
  5. La fotografía a través de un cristal (coche, tren,…) o de una celosía o una vidriera.
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10 recomendaciones para fotografías de familia

  1. Si estás fotografiando niños, agacharse hasta coger el nivel de sus ojos.
  2. Ajustar el punto de enfoque en el centro.
  3. Elegir una apertura apropiada. Para empezar, como referencia, para un sujeto individual, f/2.2 y si es un grupo, f/5.6
  4. Si hay niños, una propuesta inicial es 1/250 y si el grupo o los niños empiezan a jugar, 1/800. Evidentemente necesitamos luz.
  5. ISO en automático.
  6. Para empezar, intente usar la medición puntual para retratos individuales y la medición evaluativa para una toma de grupo.
  7. Por supuesto, siempre fotografiamos en RAW.
  8. Balance de blancos en automático.
  9. El objetivo. Un 24-70 mm te da mucha flexibilidad. En ojitos fijos, hay que probar cual se adapta mejor a tu tipo de retratos, un 35 mm, un 50 mm o un 80 mm.
  10. Oblígate a no sacar más de cinco escenas de cada pose. Así te esforzarás más.

Estas notas son un resumen del artículo de Louise Downham en DPS.

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Cinco reglas de fotografía: cinco reglas para ignorar…a veces

Me gusta siempre que tengo un rato libre, leer algún artículo de fotografía, para aprender, recordar, ver desde otro enfoque…

Recientemente leí un artículo en la Digital Photography School, titulado cinco reglas de fotografía que quizás quieras ignorar, con un enfoque diferente y que creo que puede ser de utilidad para alguien más. Por eso lo he resumido.

Lara Joy Brynildssen es una fotógrafa de viajes y caballos. Para más información sobre ella: Lara Joy y también en Instagram.

Las cinco reglas para ignorar:

  1. Coloca el ISO a 400. Sirve de aprendizaje y permite conseguir fotos en malas condiciones de luz, con el peaje consecuente de más grano y ruido.
  2. Nunca se necesitan velocidades menores de 1/500 de segundo. A veces se genera un poco de borrosidad en ciertas escenas con  mucho movimiento sin no aumentas la velocidad.
  3. Los fotógrafos serios usan siempre trípode. La teoría dice eso para la fotografía de larga exposición, la astrofotografía y la fotografía al amanecer y atardecer. Y para fotografía urbana es prácticamente inútil.five-photography-tips-to-ignore-h
  4. Solo eres bueno si fotografías en modo Manual. Hay muchos buenos fotógrafos que trabajan en modo prioridad de apertura Ap. Para una fiesta inolvidable, usa el modo Auto para asegurar. para fotografía de acción, usa pa prioridad de velocidad, Tv. ¿Estás fotografiando escenas con luz que cambia muy rápidamente?. Usa Modo manual y coloca ISO en automático. Para fotografía de retrato experimenta con Ap o con el mío retrato. Y después de todas estas pruebas,… decide tú
  5. Solo dispara si se da la llamada combinación dulce. Como probablemente sabrás se trata de una combinación de distancia focal y apertura en la que un objetivo da lo mejor de sí mismo. Pues también esta regla se puede ignorar. Mientras tanto, dispara todo a velocidad de 1/100 y apertura de f/8. Salen todas bien. ¿O no?.
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Propuesta de flujo de trabajo para retoque de retrato en Lightroom

Leyendo, leyendo,… me he encontrado con esta propuesta de workflow en Lightroom para retoque de retrato. Seguro que hay mil como esta y quizás muchas mejores, pero la he visto muy estructurada, sin extremismos,… y por eso me he decidido a traducirla para los hispanohablantes. Espero que os sea de utilidad.

El artículo original está posteado por Tim Sullivan en School of Photography. Os pongo el link por si queréis ver ejemplos gráficos. How to Edit Corporate Headshots in Lightroom

1.- Pasos iniciales generales: Ajustar el recorte, la exposición, la corrección de lente y el balance de blancos.

2.- Pasos locales:

A) Recordatorio de teclas rápidas:

– Tecla H: permite ver o quitar el punto de la zona que estamos modificando.

– Tecla O: permite ver o quitar la máscara sobre la zona que estamos trabajando.

– Cmd+Z: deshace el último paso.

– Alt+herramienta: quita la máscara previa en las zonas que marquemos.

B) Ajustes locales (por orden):

1.- Suavizado de la piel: sobre cara, frente, mentón,…

– Claridad: -50

– Sombras: +15

– Contraste: -30

– Enfoque: -10

2.- Disimular las arrugas: sobre la zona de arrugas

– Contraste: -30

– Sombras: +15

– Claridad: -50

– Enfoque: -10

3.- Dar viveza a los ojos: sobre todo el ojo

– Exposición: +0.2

– Contraste: +10

– Enfoque: +10

4.- Realce del iris: solo sobre el iris

– Exposición: +0.4

– Contraste: +20

– Luces altas: +35

– Enfoque: +5

– Saturación: +20

5.- Blanqueo de dientes: sobre los dientes solo

– Temperatura: -25 (dando azules, anulamos amarillos).

– Exposición: +25

– Saturación: -20

6.- Pelo y pestañas:

– Contraste: +10

– Altas luces: +20

– Sombras: -10

– Claridad: +30

– Saturación: +10

– Enfoque: +30

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Cuatro reglas para mejorar tus fotos de fuegos artificales

fuegos-artificiales-4

Como la mayoría de las cosas en este mundo, la fotografía de fuegos artificiales parece muy compleja cuando se intenta sin conocimientos previos y es bastante fácil si se siguen unas pautas básicas y se ha intentado algunas veces.

Telegráficamente, nos hace falta:

  • Cámara
  • Tripode
  • Fuegos artificiales.
  • Paciencia.
  • Como opcional, cable de disparo retardado a distancia.

Configuración de la máquina:

  • Tiempo de apertura: 4-5 segundos, según la luz ambiental.
  • Apertura: f/11.
  • Desactivar el estabilizador.
  • El ISO más bajo que permita la cámara.
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Cómo retocar tu retrato correctamente

Si queremos retocar correctamente un retrato con un dodge&burn, debemos obedecer a la anatomía del cráneo: iluminar el hueso y dejar en penumbra la parte de músculo, así como la papada.

El mejor esquema de iluminación para conseguir este efecto es el cenital, que nos ofrece exactamente lo que queremos, aunque este tipo de luz apenas se trabaja por el efecto tan dramático que ofrece; en su lugar, debemos moldear la luz acorde a la cara de nuestro retratado, optando por una luz más cenital cuanto más redonda sea el óvalo facial, y con más posibilidades cuanto más cuadrada sea el cráneo de nuestro retratado.

Consejos y zonas críticas

A modo de pequeños tips, me gustaría marcaros el procedimiento general que sigo para retocar una cara…

  • Frente: La frente es todo hueso, por lo que debe quedar homogeneizadamente iluminada, evitando manchas de la piel y zonas desigualmente iluminadas debido a la estructura ósea del cráneo. En la zona de mayor incidencia de la luz, normalmente busco una zona de destello o brillo especular en la piel de tamaño pequeño o mediano que genere textura y marque el poro para crear volumen.
  • Cejas: La zona de las cejas es una protuberancia que pasa por encima de los ojos. Sin embargo, esta protuberancia se encuentra generalmente oscurecida en el entrecejo, generando un ‘entrecejo visual’ producto del volumen de sombra generado que es necesario aclarar.
  • Sienes: Las sienes es un punto muy interesante, ya que a pesar de ser una zona de hueso, suelo oscurecerla para corresponder la forma del cráneo, generando un volumen que delimita la frente y las cejas.
  • Pómulo: El triángulo del pómulo y el hueso de la parte inferior de la cavidad ocular o pómulo superior no debe sólo iluminarse, sino que debe ser fuente de brillo especular en la piel de un tamaño pequeño. Es una zona que no debe quedar matizada mediante maquillaje y que generará una zona de volumen muy interesante si sabemos moldearla. El triángulo Rembrandt debe quedar marcado casi en la totalidad de los casos.
23709719484 6205853c82 BFotografía de Angelbattle
  • Zona maxilar posterior: La parte trasera del maxilar (lo que sería la zona de la patilla) la suelo oscurecer con una línea diagonal, que acompaña a la línea del triángulo Rembrandt, y que genera ese efecto ‘calavera’ tan estético.
  • Maxilar inferior: El maxilar inferior, siendo una zona de hueso, debemos iluminarla aunque no debe buscarse zona de brillo especular, simplemente contrarrestar la zona que hemos oscurecido por arriba en la zona entre el pómulo y el maxilar inferior.
  • Rictus: Algunos fotógrafos se emperran en borrar el rictus, pero eso no es correcto, es un pliegue natural de la cara que podemos disimular pero en ningún caso eliminar. Yo suelo darle un par de toques con la zona clara para disimularlo en caso de que esté muy marcado, pero repito que en ningún caso debe clonarse el pliegue ni homogeneizar la cantidad de luz con la zona del pómulo.
  • Barbilla: En la barbilla yo suelo destacar la zona de la barbilla por ser una protuberancia huesuda muy importante. No le doy mucha importancia para no darle un volumen excesivo, pero debemos corregir manchas e iluminación desigual de forma que quede redonda y homogénea.

    Tomado de un artículo de Daniel Jiménez, publicado en Xatakafoto.

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Equipo fotográfico a llevar según la ocasión

Guillermo D. Cobelo escribió en Dzoom un interesante artículo sobre qué equipo se lleva según la ocasión, valorando siempre comodidad v utilidad. El cubrir todas las circunstancias y necesidades es imposible si no tienes porteador ;-). Aquí os paso algunos retazos.

material

Cuando salgo de viaje, el material que me llevo siempre me acompaña; incluso cuando bajo a desayunar en el hotel. Por tanto, el peso importa y mucho. Lo único que dejo en el maletero del coche, o en el hotel, es el trípode cuando creo que no lo necesitaré, el cargador y, en ocasiones el flash o la linterna.

Suelo llevarme siempre dos objetivos. Y un flash.

Si viajo al campo, un objetivo macro o, en su defecto, unos tubos de extensión con un 50 mm, o un anillo inversor. Tampoco prescindo de, al menos, un flash. Ni del trípode. Como segundo objetivo un tele angular tipo 16-35 mm.

Si viajo a la montaña, un angular es dato, sí o sí. Un filtro, o dos, de densidad neutra y un trípode ligero.
También suelo llevar un tele largo tipo 70-300 mm. En principio no necesito que sea muy luminoso, pero sí que sea ligero. Un 70-200 mm 2.8 es una maravilla pero su peso te tortura todo el camino.

Si viajo a una ciudad, un tele angular en el rango 16-35 mm o similar y un 85 mm o un macro 105 mm. Y un flash.

Por supuesto, tarjetas en cantidad, cargadores y kit de limpieza, cosas varias que pueden quedar en el coche o en el hotel.

Desde luego un 70-200 mm f:2.8 ofrece una calidad genial, pero sus 1,5 kg más lo que pueda pesar la cámara, no es ideal para cargarlo durante largas distancias cuando el objetivo del viaje no es fotográfico; todo depende de las prioridades.

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Cómo posar y angular el cuerpo para obtener mejores retratos

Cuando vas a llevar a cabo una sesión de fotos de personas, retratos,… hay que tener en cuenta algunos aspectos previos como:

  • la gente desea verse “un poco mejor” de como realmente son.
  • la mayoría de las personas no les gusta tener una larga sesión de fotos, por lo que desea que el proceso no se eternice.
  • Aunque en el procesado posterior a la sesión nos va a permitir matizar, los siguientes trucos son mucho “más naturales”.

De acuerdo, vamos a empezar.

Lateralizar su peso

En el retrato de la modelo de la izquierda está de pie, formando un rectángulo frente a la cámara. Su peso corporal está repartido sobre ambos pies por igual. Como se puede ver con la imagen de la derecha, un sutil cambio en su peso marca la diferencia. Todo lo que hizo fue poner la mayor parte de su peso sobre la pierna derecha. Esto crea inmediatamente una curva en S sutil con su cuerpo. La modelo se enfrenta todavía a la cámara de frente, pero ya se ve más delgada.

1 hippush

Inclinación hacia delante desde la cintura

La modelo se enfrenta todavía a la cámara formando un cuadrado, pero que ahora tendrá inclinación de la cintura. En la foto de la izquierda se inclina apartándose de la cámara (hacia atrás) y es muy poco favorecedor. Este ángulo crea papada, y le hace parecer pesada. Esta es una pose que hay que corregir de inmediato.

Para mejorar esta foto sólo hay que pedirles que se inclinen ligeramente hacia adelante desde la cintura, hacia la cámara. Se puede ver que cuando ella hizo esto, en la imagen en el lado derecho, que en ángulo de forma automática la cabeza y cambió su peso en sus piernas de apoyo. Ahora tiene una pose mucho más favorecedora.

2 leanback

Cargar el peso sobre la pierna de atrás

Ahora ajuste la modelo una vez más. Tiene que trasladar a su peso a la pierna de atrás. En los ejemplos que siguen el modelo cambia el peso a la pierna izquierda con lo que queda justo en frente. Con la imagen de la izquierda de nuevo averigua cómo cuando ella se inclina hacia atrás o hacia fuera de la cámara se ve incómoda y poco natural. El simple ajuste del pie recto o añadir un poco de inclinación hacia usted como se ve en la foto de la derecha mejoran notablemente el resultado final.

3 leanbackforward

Brazos en cruz

Una pose muy popular para los retratos de cintura para arriba es teniendo al modelo cruzando sus brazos. Esto crea una sensación de confianza y fuerza para el espectador. Sin embargo, no todo vale. Con la imagen del lado izquierdo de abajo, la modelo angula la cabeza hacia atrás. Este error es más común en las mujeres, ya que parece que les gusta inclinar así la cabeza para las fotos. Error. Se debe llevar la barbilla ligeramente hacia abajo y hacia adelante. Este ajuste fácil logra una gran diferencia.

4 armscrossed

Inclinarse hacia delante de nuevo

Con la pose de brazos cruzados que puede conseguir otros buenos resultados. Pídales inclinarse hacia adelante desde la cintura. La mayoría de la gente piensa que en esta pose se siente extraño, simplemente hacerles saber que se ve muy bien en la imagen final. Recuerde que la mayoría de las personas se sienten inseguros con su apariencia, por lo que siempre viene bien tener tiempo para tranquilizarlos diciéndoles que tienen un aspecto increíble!. Empezamos dando más espacio entre modelo y cámara y entonces, o zoom-in con la lente, o paso adelante para conseguir un bonito retrato.

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Poses con modelo sentado

Tener su modelo / cliente en esta posición sentada nos coloca en el ángulo por encima de ellos. Eso significa que usted va a disparar en un ángulo descendente, que es muy favorecedor para la mayoría de la gente.

El primer paso que tiene que tomar es que su modelo debe sentarse en el borde de la silla. No queremos que estén sentados cómodamente, apoyando la espalda. Con la imagen de la izquierda (abajo), el modelo está sentado en el borde del asiento, los pies en el suelo y los hombros cuadrados a la cámara. A pesar de que no es el mejor ángulo, si nos acercamos, todavía se puede crear un buen retrato con el foco que está en los ojos, como se observa en la imagen de la derecha.

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Con su modelo todavía sentado en la silla, él o ella coloca sus codos sobre sus rodillas. Los brazos se pueden cruzar o no, jugar con ambos. Esto obliga al modelo a tener que mirar hacia arriba, hacia usted, quitando cualquier problema con el cuello. Recuerde que en poses próximas nos debemos centrar en los ojos y la sonrisa.

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El último ejemplo muestra el “lado bueno” del modelo. Todos tenemos un lado que es mejor que el otro. No suele ser visible a simple vista, así que por favor asegúrese de fotografiar siempre su modelo desde ambos lados. Esto se demuestra claramente con el siguiente modelo. Su lado bueno es cuando los ángulos de su cara giran hacia la derecha, y su lado izquierdo es más visible (la imagen de la derecha). Usted puede ver más de su cara, su cuello se ve mejor, ambos ojos son visibles, el cabello se cae de forma natural, y su nariz tiene un ángulo más favorecedor.

8 Goodside

Cuando cambie de posición el modelo, recuerde que debe disparar esa pose de cada lado. Hasta que obtenga un buen reconocimiento de que es el lado bueno de su cliente con sólo mirar la imagen de vista previa en la cámara, siempre disparar desde la izquierda y la derecha.

Es fácil ver cómo un simple ajuste del inclinando el cuerpo puede dar lugar a mejores retratos. Una buena regla para recordar, es que el ángulo de modelo de un hombro hacia usted, y hacer que se pongan su peso sobre la pierna de atrás. Esto inmediatamente hará que se vean más delgados. Por supuesto, la mejor manera de conseguir un mejor es salir y practicar, practicar y practicar!

Todas las imágenes fueron tomadas en un estudio con una lente de 50mm, sobre un papel blanco telón de fondo, con una luz estroboscópica.

Este artículo es traducción-resumen de uno de Alexis Arnold en la Escuela de Fotografía Digital.

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Free Lightroom Preset: Bring the Color

Por si sois usuarios de Lightroom

http://loadedlandscapes.com/free-lightroom-preset-bring-the-color/

Antes

Captura de pantalla 2016-03-12 a las 8.31.14

Después

Captura de pantalla 2016-03-12 a las 8.31.24

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Consejos para mejorar tu fotografía de aventura

  1. Lleva la cámara siempre encendida. Olvida el miedo a quedarte sin batería. Es mucho peor perder ese instante único.PHOTO-5
  2. No pasa nada si apareces en alguna de las fotos. No debes ser el protagonista absoluto pero…
  3. Elige la mejor y/o la más novedosa perspectiva. Suele dar ese plus que hace una foto fantástica.
  4. Muestra la escala del ser humano en relación al entorno. Es la mejor manera de transmitir la grandiosidad de la Naturaleza.
  5. Incluye alguna foto de siluetas. Resultan siempre bastante impactantes.
  6. Intenta que la gente tenga envidia tuya al ver tus fotos. es sinónimo de éxito si al ver tus fotos a la gente le hubiese encantado estar allí y vivir las experiencias que disfrutaste.

Está tomado de un artículo de David Johnston para la Digital Photography School.

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Fotografía de alimentos

  1. Si tienes una réflex, úsala. Su sensor de mayor tamaño ofrecerá mejor resultado en el tratamiento del ruido y en el manejo de las ISO’s elevadas.
  2. Es fundamental respetar al máximo texturas y colores. Así, el ajuste preciso del balance de blancos es importante, evitando –por ejemplo- que el pulpo adquiera una tonalidad amarilla o verdosa, sinónimo de que no está bien.
  3. Si las luces del restaurante no rinden todo el espectro cromático se producirán dominantes de color que afectarán a los colores de los alimentos. En muchos casos, tienen difícil, incluso imposible, corrección.
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  1. Si vas a usar tu móvil o una cámara compacta, debes de saber que en condiciones de baja iluminación la calidad que ofrecen es escasa y que generarán mucho ruido. Hoy existen smartphones con cámaras con aperturas de f/1,8 (el mío, je,je) lo que está francamente bien, pero no es suficiente en muchas ocasiones porque la ISO necesaria es elevada. Por tanto, intenta que la luz no le llegue totalmente a contraluz, mejor lateral.
  2. Continuando con los Smartphones, sujétalo bien, porque bajará tanto la velocidad que tendrás riesgo de trepidación. Es fácil encontrar velocidades por debajo de 1/30.
  3. Siempre que puedas, mientras tengas luz natural, elige sentarte al lado de una ventana. Tendrás más luz. La única precaución es situar el plato fuera del alcance de los rayos solares.
  4. Con la luz natural también se pueden introducir algunas dominantes de color indeseadas si, por ejemplo, la luz llega tamizada a través de un toldo o de unas cortinas de color.
  5. Puedes girar el plato para buscar el mejor ángulo, no te quedes con la posición en la que el camarero te ha dejado el plato.
  6. Apaga el flash de la cámara, de cualquier cámara, incluido el móvil. Si no hay luz suficiente no hagas la foto, disfruta de la comida, y no incordies al resto de comensales.
  7. Procesa la foto: un poquito de luz aquí, algo de saturación, un ajuste preciso del balance de blancos, un poquito de relleno a las sombras, quizá un poco menos de contraste, un pelín de nitidez y un marco delicado, harán que la foto luzca mejor. Hay muchos programas de edición, pero si hablamos de móvil, a mí me gusta SnapSeed. Nada de filtros.

 

Está tomado de Dzoom. Es un artículo de Guillermo D. Cobelo

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Sencillas recomendaciones para fotografái de fútbol

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Un buen punto de partida es coger un tele 70-200, aunque hasta con un  400 estaríamos en rango.

Si estamos acostumbrados a trabajar en modo manual, es el idóneo. En caso contrario, usamos el modo de prioridad de velocidad y colocamos esta en 1/800 o incluso más rápida. Niños pequeños pueden necesitar menos velocidad, pero nunca por debajo de 1/500.

Si queremos que en lugar de tener todo enfocado, nos quede solo el motivo principal enfocado y el resto borroso, usaremos velocidades de 1/30 o similares.

En cuanto a la apertura, una de f/2.8 puede ser idónea para un jugador único. Si hay varios y deseamos crear cierta profundidad de campo, será mejor una f/4.

Respecto a la ISO, dependerá de la combinación de las dos anteriores que hayamos seleccionado.Días soleados van bien con ISOs de 400; días nublados o de noche, ISOs de 800.

Respecto al modo de enfoque, el modo de un disparo (One-Shot AF en Canon), no es el idóneo. Es más apropiado el AI-Servo de Canon.

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Lightroom: técnica de retoque de paisaje usada en retrato

En un retrato la vista se dirige, de manera espontánea, a aquellas partes de la fotografía que están más iluminadas, aspecto éste que tenemos en cuenta a la hora de orientar a nuestro modelo, en la orientación de las luces artificiales , focos accesorios, flashes externos,…

En primero de fotografía nos enseñan que el punto principal en la mayoría de los retratos es la cara y dentro de ella, los ojos en particular.

A veces nos encontramos con problemas derivados de que hay otras partes del cuerpo que hacen que se desvíe la atención de la persona que mira la foto, por fallos de iluminación, por dificultades técnicas, porque el sujeto lleva un vestido muy luminoso,…

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Cómo identificar tres problemas comunes en fotografía y solucionarlos en Lightroom

He oído una y otra vez “tengo una buena cámara pero mis fotos no salen tan buenas como esperaba”.

Lo que sigue es un interrogatorio sobre la selección de los equipos, los ajustes y la técnica en general. Con frecuencia, cuando finalmente llegamos al el quid de la cuestión, el hecho es que muchas personas no sólo tienen dificultades para identificar lo que está mal en sus fotos, sino también para determinar cómo prevenirlo o solucionarlo en el post-procesamiento.

Vamos a echar un vistazo a algunos problemas de imagen comunes que podrían estar penalizando sus fotos, y la forma de solucionarlos en el post-procesamiento.

Voy a estar refiriendo a Lightroom (LR) como el software de post-procesamiento, aunque los ajustes generales se pueden adaptar para su uso en otro software.

# 1 Descoloridas

El término descolorida se refiere a una foto que parece haber recibido un disparo a través de una tela translúcida. Hay una niebla uniforme que reduce la saturación de color, nitidez, claridad y contraste. Hay varios factores que pueden contribuir a sus imágenes se lavan a cabo. Podría ser cualquier cosa, desde lentes de mala calidad, a efecto fantasma de disparar directamente a una fuente de luz (reflejo en la lente).

La buena noticia es que con las características y el poder que tenemos en LR, este problema puede a menudo ser superado.

Echemos un vistazo a esta foto de una hermosa ola, disparada por la mañana temprano. Se tomó con un 200 mm con un teleconversor 2x (una longitud focal efectiva de 400 mm). Los teleconversores aumentan la distancia focal, pero son conocidos por devorar luz y reducir el contraste y la nitidez.

imagen lavada

Aunque los teleconversores pueden causar estragos en sus imágenes, no todo está perdido.

Como se puede ver, la toma original no es muy atractivo. En un intento por mejorarla, se han hecho los siguientes ajustes:

Panel General

  • Contraste aumentado (+)
  • Altas luces disminuyeron (-)
  • Sombras disminuyeron (-)
  • Blancos aumentaron (+)
  • Negros disminuyeron (-)
  • Claridad aumentado (+)
  • Intensidad aumentó (+)
  • Saturación aumentó ligeramente * +)

Panel Curva de tonos

  • Altas luces disminuyeron.
  • Oscuros disminuyeron.
  • Sombras aumentaron.

El truco aquí es ir y venir entre los diferentes controles deslizantes que controlan sombras y luces.

# 2 Color o Tinte

En mi opinión, este es uno de los argumentos más importantes para disparar en RAW ya que permite mejor control de la corrección de balance de blancos en el post-procesado, a diferencia de otros formatos de archivo; a recordar que el balance de blancos incorrecto es la causa principal de las imágenes de color apagado, o que tienen un tinte de color.

Veo muchas fotos que tienen un ligero tinte, que es intencional. La clave es mirar a áreas de la imagen que son de un color neutro o blanco – aquí es donde es más fácil notar el tono de color. Tenga en cuenta que la edición en un monitor que no es de color calibrado puede limitar su capacidad para lograr correcto balance de blancos.

balance de blancos incorrecto y tinte

A veces darse cuenta si una imagen tiene balance de blancos incorrecto, o un tinte de color, puede ser complicado.

La primera línea de actuación es la herramienta balance de blancos automático de LR (cuentagotas). Es un tanto imprecisa, pero es un buen punto de partida. Una vez que activamos la herramienta cuentagotas, una ventana emergente mostrará una vista ampliada para permitirle seleccionar píxeles tan cerca de un color neutro como sea posible.

Desde este punto, puede utilizar los deslizadores de balance de blancos y el tinte para afinar la imagen. Si hay gente en la foto, su objetivo debe ser hacer los tonos de piel se ven como algo natural y placentero.

# 3 Demasiada variación en contraste

Verse enfrentado a un rango de contraste drástico es uno de los problemas más comunes en las que tendrán que hacer frente. Después de todo, es por eso que muchos fotógrafos están equipadas con un filtro polarizador, y por qué los nuevos modelos de cámaras se esfuerzan para un rango dinámico ampliado.

Por suerte, no hay que contentarse con la imagen que se descarga en su ordenador. Si usted está disparando en RAW hay una gran cantidad de información acerca de los detalles, el color, etc., que se pueden explotar en el post-procesamiento.

Echemos un vistazo a esta foto en el interior de una librería. Era bastante oscuro en el interior con el sol del mediodía brillando fuera de la ventana. Se podría haber disparado en HDR y fusionar después las imágenes (alto rango dinámico), utilizando un flash para equilibrar el oscuro interior con el exterior más ligero, o utilizado un polarizador para oscurecer la parte de la ventana de la escena. Pero a veces no se no tienen los medios.

imagen de alto contraste

La cámara luchó con esta escena de alto contraste, pero un poco de trabajo en LR dio nueva vida a la foto.

Como se puede ver, la cámara realmente ha capturado una gran cantidad de información, y era sólo cuestión de decir a LR qué hacer. Aquí está una lista de los cambios realizados en esta imagen para darle una idea de cómo hacerlo:

Panel General

  • Contraste disminuyó ligeramente (-)
  • Altas luces disminuyeron (-)
  • Sombras aumentaron (+)
  • Blancos disminuyeron (-)
  • Negros disminuyeron (-)
  • Claridad aumentado (+)
  • Intensidad aumentó ligeramente (+)
  • Saturación aumentó ligeramente (+)

Panel Curva de tonos

  • Altas luces disminuyeron
  • Claros disminuyeron
  • Oscuros aumentaron
  • Sombras disminuyeron

Por último, se ha utilizado el Pincel de ajuste para enmascarar la parte de la ventana con estos ajustes:

  • Disminuyó la exposición (-)
  • Contraste aumentado (+)
  • Altas luces aumentaron (+)
  • Sombras disminuyeron (-)
  • Claridad aumentada (+)

Conclusión

Por supuesto hay  otros problemas que se pueden encontrar pero estos son algunos de los más comunes. No pase por alto el hecho de que usted debe tratar de obtener la mejor imagen posible cuando se toma. Aunque el software de edición es muy potente, obtendrá mejores resultados cuando usted no tiene que llevar al límite su software de edición.

Es un artículo publicado por Jeremie Schatz en la Digital Photography School.

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Cómo conseguir la máxima nitidez en un paisaje

  1. Los objetivos siempre bien limpios.
  2. Fuera filtros.Canon-EOS-70D-with-18-135mm-Lens
  3. Trípode sí o sí.
  4. Disparador remoto. Hay aplicaciones de smartphones que hacen esta función.
  5. Desactivar el estabilizador de imagen del objetivo y/o de la cámara.
  6. Utilizar la función de la cámara de bloqueo del espejo.
  7. ISO lo más bajos posibles.
  8. Fotografiar siempre en RAW.
  9. Recomponer la imagen justo en el último momento.
  10. Si no te gusta o no conoces el bracketing (varias fotos con diferentes ajustes y luego fusionarlas), usar la hiperfocal (distancia que existe entre el objetivo y el punto más próximo de foco aceptablemente nítido, cuando el objetivo está enfocando hacia el infinito. Cuando lo está para la distancia hiperfocal, la profundidad de campo se extiende desde la mitad de esta distancia hasta el infinito).
  11. Postprocesado: aumentando la nitidez con la función de sharpen y ajustando saturación y contraste.

Esta nota breve es un resumen del magnífico artículo de la genial Caro Musso en el blog del fotógrafo.

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La fotografía, ese invento extraño

“Lo que convierte a la fotografía en un invento extraño es que su materia prima es la luz y el tiempo.”

John Berger.

 

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Propuesta de ajustes básicos para retrato en Lightroom

AJUSTES BÁSICOS PARA  RETRATO

Lo realizaremos en 3 pasos.

1.- Balance de blancos:

Antes de comenzar con otros ajustes y siempre que hayamos disparado en RAW,  realizamos un ajuste rápido del  balance de blancos. Para ello vamos al módulo Revelar,  pCaptura de pantalla 2015-11-12 a las 10.38.12anel de ajustes básicos y seleccionamos el pincel. A continuación nos colocamos en una parte de la foto que presente un tono neutro: gris suave (mejor que el blanco puro).

A continuación podemos ajustar la temperatura y el matiz.

2.- Tono:

Comenzamos con estos ajustes. La regla nemotécnica es fácil (-25, +20, +20, -25) y (-5, 0, +5).

Captura de pantalla 2015-11-12 a las 10.43.46Los ajustes que se dejan a 0 se pueden modificar a posteriori.

Estos ajustes nos disimulan las zonas con exceso de iluminación o muy
oscuras y consigue blancos y negros más puros.

3.- Detalle (sharpening)

Sobre todo a nivel de los ojos es fundamental que aparezcan enfocados y con bordes nítidos.

Vamos al panel de detalle y clicamos sobre el simbolizo de diana del extremo superior izquierdo. A continuación, marcamos sobre el ojo para verlo con zoom. De  entrada el slide de debajo, referente a cantidad, lo ponemos en +50.

A continuación haremos pequeños ajustes de radio y detalle.

Por último, podemos ajustar el slide de máscara, no aplicándolo en zonas como las caras.

Captura de pantalla 2015-11-12 a las 11.54.12

Presionamos la tecla ALT y movemos el slide de máscara, viendo en la fotografía algo parecido a la imagen que vemos debajo.

Las áreas blancas son sobre las que se aplicará el ajuste de mejora del detalle (“sharpening”).

Movilizando a derecha o izquierda el slide de máscara veremos como cambia la apariencia.

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Diane Arbus

Captura de pantalla 2015-10-29 a las 10.28.57

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Nota breve de fotografía: 10 errores frecuentes en fotografía de larga exposición

  1. Sistema de reducción de la vibración en posición ON. Estos sistemas, en exposiciones largas, hacen creer a  la cámara que se mueve, aunque no lo haga y crean borrosidad en lugar de quitarla.
  2. Olvidar cerrar el sistema de cierre del espejo.
  3. No usar filtros GND porque son caros.
  4. Aumentar la apertura hasta f/22 para aumentar el tiempo de exposición. Debido al fenómeno de difracción óptica no deberíamos pasar de f/16.
  5. Olvidar ajustar el ISO. Nos moveremos entre 50 y 200.
  6. Pensar que estás trabajando cómodamente en interiores y no llevar sistemas de protección, limpieza,…
  7. Elegir filtros de baja calidad.
  8. No dar al viento, incluso la brisa, la importancia que tiene.
  9. No cubrir el visor.
  10. Creer al vendedor de filtros.

Esta es una traducción-resumen del artículo de Francesco Gola en la Escuela de Fotografía Digital.

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Nota breve de fotografía: 5 formas en las que el teleobjetivo puede ser útil en fotografía de paisajes

  1. Elimina “el ruido” y hace centrar la atención en lo fundamental.
  2. Permite aislar al sujeto principal.
  3. Descubrir vida salvaje en el paisaje.
  4. Aportar una perspectiva diferente.
  5. Encontrar patrones de repetición que solo se daban en una parte de la imagen.

teleobjetivo-2

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