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5 situaciones para pasarse al enfoque manual

El enfoque manual fue durante muchos años el rey de los enfoques. Más aún fue el único tipo de enfoque.

Luego llegaron las reflex revolucionadas y el modo todo automático y los modos con prioridad de alguno de os parámetros y el enfoque manual fue perdiendo protagonismo.

Hoy en día, tras unos años de inicio a la fotografía, todo el mundo siente la necesidad de aventurarse a la fotografía en modo manual.

Pero, ¿Por qué usar el modo manual?. ¿Qué circunstancias hacen interesante el modo manual?.

Las cinco situaciones:

  1. La fotografía macro: se consigue un mayor grado de precisión.
  2. La fotografía de acción: nos da mayor agilidad y poder anticiparnos a la foto, enfocando previamente a donde sacaremos más tarde la foto.
  3. Situaciones con poca luz: Suponiendo que lo consiga, a la máquina le costará unos segundos muy valiosos el conseguir el enfoque y muchas veces éste será impreciso.
  4. Retrato: cuando las condiciones no son idóneas. Para tener la certeza de enfocar los ojos…. enfoque manual.
  5. La fotografía a través de un cristal (coche, tren,…) o de una celosía o una vidriera.
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10 recomendaciones para fotografías de familia

  1. Si estás fotografiando niños, agacharse hasta coger el nivel de sus ojos.
  2. Ajustar el punto de enfoque en el centro.
  3. Elegir una apertura apropiada. Para empezar, como referencia, para un sujeto individual, f/2.2 y si es un grupo, f/5.6
  4. Si hay niños, una propuesta inicial es 1/250 y si el grupo o los niños empiezan a jugar, 1/800. Evidentemente necesitamos luz.
  5. ISO en automático.
  6. Para empezar, intente usar la medición puntual para retratos individuales y la medición evaluativa para una toma de grupo.
  7. Por supuesto, siempre fotografiamos en RAW.
  8. Balance de blancos en automático.
  9. El objetivo. Un 24-70 mm te da mucha flexibilidad. En ojitos fijos, hay que probar cual se adapta mejor a tu tipo de retratos, un 35 mm, un 50 mm o un 80 mm.
  10. Oblígate a no sacar más de cinco escenas de cada pose. Así te esforzarás más.

Estas notas son un resumen del artículo de Louise Downham en DPS.

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Cinco reglas de fotografía: cinco reglas para ignorar…a veces

Me gusta siempre que tengo un rato libre, leer algún artículo de fotografía, para aprender, recordar, ver desde otro enfoque…

Recientemente leí un artículo en la Digital Photography School, titulado cinco reglas de fotografía que quizás quieras ignorar, con un enfoque diferente y que creo que puede ser de utilidad para alguien más. Por eso lo he resumido.

Lara Joy Brynildssen es una fotógrafa de viajes y caballos. Para más información sobre ella: Lara Joy y también en Instagram.

Las cinco reglas para ignorar:

  1. Coloca el ISO a 400. Sirve de aprendizaje y permite conseguir fotos en malas condiciones de luz, con el peaje consecuente de más grano y ruido.
  2. Nunca se necesitan velocidades menores de 1/500 de segundo. A veces se genera un poco de borrosidad en ciertas escenas con  mucho movimiento sin no aumentas la velocidad.
  3. Los fotógrafos serios usan siempre trípode. La teoría dice eso para la fotografía de larga exposición, la astrofotografía y la fotografía al amanecer y atardecer. Y para fotografía urbana es prácticamente inútil.five-photography-tips-to-ignore-h
  4. Solo eres bueno si fotografías en modo Manual. Hay muchos buenos fotógrafos que trabajan en modo prioridad de apertura Ap. Para una fiesta inolvidable, usa el modo Auto para asegurar. para fotografía de acción, usa pa prioridad de velocidad, Tv. ¿Estás fotografiando escenas con luz que cambia muy rápidamente?. Usa Modo manual y coloca ISO en automático. Para fotografía de retrato experimenta con Ap o con el mío retrato. Y después de todas estas pruebas,… decide tú
  5. Solo dispara si se da la llamada combinación dulce. Como probablemente sabrás se trata de una combinación de distancia focal y apertura en la que un objetivo da lo mejor de sí mismo. Pues también esta regla se puede ignorar. Mientras tanto, dispara todo a velocidad de 1/100 y apertura de f/8. Salen todas bien. ¿O no?.
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Propuesta de flujo de trabajo para retoque de retrato en Lightroom

Leyendo, leyendo,… me he encontrado con esta propuesta de workflow en Lightroom para retoque de retrato. Seguro que hay mil como esta y quizás muchas mejores, pero la he visto muy estructurada, sin extremismos,… y por eso me he decidido a traducirla para los hispanohablantes. Espero que os sea de utilidad.

El artículo original está posteado por Tim Sullivan en School of Photography. Os pongo el link por si queréis ver ejemplos gráficos. How to Edit Corporate Headshots in Lightroom

1.- Pasos iniciales generales: Ajustar el recorte, la exposición, la corrección de lente y el balance de blancos.

2.- Pasos locales:

A) Recordatorio de teclas rápidas:

– Tecla H: permite ver o quitar el punto de la zona que estamos modificando.

– Tecla O: permite ver o quitar la máscara sobre la zona que estamos trabajando.

– Cmd+Z: deshace el último paso.

– Alt+herramienta: quita la máscara previa en las zonas que marquemos.

B) Ajustes locales (por orden):

1.- Suavizado de la piel: sobre cara, frente, mentón,…

– Claridad: -50

– Sombras: +15

– Contraste: -30

– Enfoque: -10

2.- Disimular las arrugas: sobre la zona de arrugas

– Contraste: -30

– Sombras: +15

– Claridad: -50

– Enfoque: -10

3.- Dar viveza a los ojos: sobre todo el ojo

– Exposición: +0.2

– Contraste: +10

– Enfoque: +10

4.- Realce del iris: solo sobre el iris

– Exposición: +0.4

– Contraste: +20

– Luces altas: +35

– Enfoque: +5

– Saturación: +20

5.- Blanqueo de dientes: sobre los dientes solo

– Temperatura: -25 (dando azules, anulamos amarillos).

– Exposición: +25

– Saturación: -20

6.- Pelo y pestañas:

– Contraste: +10

– Altas luces: +20

– Sombras: -10

– Claridad: +30

– Saturación: +10

– Enfoque: +30

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Cuatro reglas para mejorar tus fotos de fuegos artificales

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Como la mayoría de las cosas en este mundo, la fotografía de fuegos artificiales parece muy compleja cuando se intenta sin conocimientos previos y es bastante fácil si se siguen unas pautas básicas y se ha intentado algunas veces.

Telegráficamente, nos hace falta:

  • Cámara
  • Tripode
  • Fuegos artificiales.
  • Paciencia.
  • Como opcional, cable de disparo retardado a distancia.

Configuración de la máquina:

  • Tiempo de apertura: 4-5 segundos, según la luz ambiental.
  • Apertura: f/11.
  • Desactivar el estabilizador.
  • El ISO más bajo que permita la cámara.
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Cómo retocar tu retrato correctamente

Si queremos retocar correctamente un retrato con un dodge&burn, debemos obedecer a la anatomía del cráneo: iluminar el hueso y dejar en penumbra la parte de músculo, así como la papada.

El mejor esquema de iluminación para conseguir este efecto es el cenital, que nos ofrece exactamente lo que queremos, aunque este tipo de luz apenas se trabaja por el efecto tan dramático que ofrece; en su lugar, debemos moldear la luz acorde a la cara de nuestro retratado, optando por una luz más cenital cuanto más redonda sea el óvalo facial, y con más posibilidades cuanto más cuadrada sea el cráneo de nuestro retratado.

Consejos y zonas críticas

A modo de pequeños tips, me gustaría marcaros el procedimiento general que sigo para retocar una cara…

  • Frente: La frente es todo hueso, por lo que debe quedar homogeneizadamente iluminada, evitando manchas de la piel y zonas desigualmente iluminadas debido a la estructura ósea del cráneo. En la zona de mayor incidencia de la luz, normalmente busco una zona de destello o brillo especular en la piel de tamaño pequeño o mediano que genere textura y marque el poro para crear volumen.
  • Cejas: La zona de las cejas es una protuberancia que pasa por encima de los ojos. Sin embargo, esta protuberancia se encuentra generalmente oscurecida en el entrecejo, generando un ‘entrecejo visual’ producto del volumen de sombra generado que es necesario aclarar.
  • Sienes: Las sienes es un punto muy interesante, ya que a pesar de ser una zona de hueso, suelo oscurecerla para corresponder la forma del cráneo, generando un volumen que delimita la frente y las cejas.
  • Pómulo: El triángulo del pómulo y el hueso de la parte inferior de la cavidad ocular o pómulo superior no debe sólo iluminarse, sino que debe ser fuente de brillo especular en la piel de un tamaño pequeño. Es una zona que no debe quedar matizada mediante maquillaje y que generará una zona de volumen muy interesante si sabemos moldearla. El triángulo Rembrandt debe quedar marcado casi en la totalidad de los casos.
23709719484 6205853c82 BFotografía de Angelbattle
  • Zona maxilar posterior: La parte trasera del maxilar (lo que sería la zona de la patilla) la suelo oscurecer con una línea diagonal, que acompaña a la línea del triángulo Rembrandt, y que genera ese efecto ‘calavera’ tan estético.
  • Maxilar inferior: El maxilar inferior, siendo una zona de hueso, debemos iluminarla aunque no debe buscarse zona de brillo especular, simplemente contrarrestar la zona que hemos oscurecido por arriba en la zona entre el pómulo y el maxilar inferior.
  • Rictus: Algunos fotógrafos se emperran en borrar el rictus, pero eso no es correcto, es un pliegue natural de la cara que podemos disimular pero en ningún caso eliminar. Yo suelo darle un par de toques con la zona clara para disimularlo en caso de que esté muy marcado, pero repito que en ningún caso debe clonarse el pliegue ni homogeneizar la cantidad de luz con la zona del pómulo.
  • Barbilla: En la barbilla yo suelo destacar la zona de la barbilla por ser una protuberancia huesuda muy importante. No le doy mucha importancia para no darle un volumen excesivo, pero debemos corregir manchas e iluminación desigual de forma que quede redonda y homogénea.

    Tomado de un artículo de Daniel Jiménez, publicado en Xatakafoto.

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Equipo fotográfico a llevar según la ocasión

Guillermo D. Cobelo escribió en Dzoom un interesante artículo sobre qué equipo se lleva según la ocasión, valorando siempre comodidad v utilidad. El cubrir todas las circunstancias y necesidades es imposible si no tienes porteador ;-). Aquí os paso algunos retazos.

material

Cuando salgo de viaje, el material que me llevo siempre me acompaña; incluso cuando bajo a desayunar en el hotel. Por tanto, el peso importa y mucho. Lo único que dejo en el maletero del coche, o en el hotel, es el trípode cuando creo que no lo necesitaré, el cargador y, en ocasiones el flash o la linterna.

Suelo llevarme siempre dos objetivos. Y un flash.

Si viajo al campo, un objetivo macro o, en su defecto, unos tubos de extensión con un 50 mm, o un anillo inversor. Tampoco prescindo de, al menos, un flash. Ni del trípode. Como segundo objetivo un tele angular tipo 16-35 mm.

Si viajo a la montaña, un angular es dato, sí o sí. Un filtro, o dos, de densidad neutra y un trípode ligero.
También suelo llevar un tele largo tipo 70-300 mm. En principio no necesito que sea muy luminoso, pero sí que sea ligero. Un 70-200 mm 2.8 es una maravilla pero su peso te tortura todo el camino.

Si viajo a una ciudad, un tele angular en el rango 16-35 mm o similar y un 85 mm o un macro 105 mm. Y un flash.

Por supuesto, tarjetas en cantidad, cargadores y kit de limpieza, cosas varias que pueden quedar en el coche o en el hotel.

Desde luego un 70-200 mm f:2.8 ofrece una calidad genial, pero sus 1,5 kg más lo que pueda pesar la cámara, no es ideal para cargarlo durante largas distancias cuando el objetivo del viaje no es fotográfico; todo depende de las prioridades.

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